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De van Eyck a Goya con parada en el Renacimiento y Barroco: autorretratos ocultos en obras maestras

A partir del gótico tardío los artistas empezaron a tener una mayor conciencia de ellos mismos y del valor de su talento y profesión. Por ello, a lo largo de los siglos, muchos han ido más allá de firmar sus obras al representarse en ellas, en mayor o menor medida, como protagonistas de las mismas. Van der Weyden, Botticelli, el Greco o Caravaggio son alguno de los grandes maestros que han seguido esta costumbre

Jorge Sallé González
Jorge Sallé González

Jan van Eyck - El matrimonio Arnolfini (1434)

Jan van Eyck - El matrimonio Arnolfini (1434)

Esta obra tan característica de los primitivos flamencos ha fascinado al público durante siglos por su realismo minucioso con una extraordinaria atención al detalle. El pintor Jan van Eyck representa al mercader de Brujas Giovanni Arnolfini junto a su esposa en el interior de una alcoba, en una escena que el historiador Erwin Panofsky determinó en 1934 como la celebración del acto de matrimonio en la intimidad, con el sacerdote y el pintor como testigos. Esa teoría, predominante durante décadas, se ha cuestionado en la actualidad. Aunque a primera vista no se aprecien, bajo la firma, en el reflejo del espejo, aparecen representados ambos personajes con una precisión excepcional.

The National Gallery (Londres)

Rogier van der Weyden - San Lucas dibujando a la Virgen (1435 - 1440)

Rogier van der Weyden - San Lucas dibujando a la Virgen (1435 - 1440)

Con un estilo muy similar a la obra contemporánea de Jan van Eyck, Virgen del canciller Rolin, van der Weyden presenta al evangelista San Lucas dibujando a la Virgen María dando el pecho a Jesús. El autorretrato de este cuadro no es difícil de detectar, ya que el propio pintor flamenco se representó a sí mismo como san Lucas, quien era el patrón de los pintores. Rogier van der Weyden fue uno de los pioneros en reivindicar el valor del pintor en un momento en el que el oficio del pintor no gozaba de un elevado estatus social y en el que el talento artístico era apenas reconocido.

Museo de Bellas Artes de Boston (Boston)

Sandro Botticelli - Adoración de los Magos (1475)

Sandro Botticelli - Adoración de los Magos (1475)

Al abandonar el gótico tardío e introducirnos en el Renacimiento, se puede observar que los artistas adquieren una mayor conciencia sobre el valor de su trabajo y un mayor deseo por dejar constancia de su autoría. En esta representación de la Epifanía, el florentino Sandro Botticelli se autorretrata en primer plano –a la derecha– sin intención de pasar desapercibido, ya que aparece mirando directamente al espectador con una mirada orgullosa y desafiante. Entre el resto de los personajes, aparecen retratados miembros destacados de la poderosa familia Médici.

Galería Uffizi (Florencia)

Rafael Sanzio - La escuela de Atenas (1510 - 1511)

Rafael Sanzio - La escuela de Atenas (1510 - 1511)

Esta pieza excepcional, situada en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano en las que se han denominado las Estancias de Rafael, es uno de los frescos más destacados que el artista realizó para el papa Julio II. A partir de las figuras protagonistas de Aristóteles y Platón se distribuyen en la escena los grandes pensadores de la Grecia clásica. Más allá del desapercibido autorretrato de Rafael como el pintor griego Apeles –en el extremo derecho, mirando al espectador desde detrás del hombre vestido de blanco–, destacan los retratos que realizó de otros grandes artistas contemporáneos como Miguel Ángel (como Heráclito, en primer plano apoyado sobre la piedra) y Leonardo da Vinci (asociado tradicionalmente como Platón, en el centro con el dedo hacia arriba).

Museos Vaticanos (Ciudad del Vaticano)

Miguel Ángel Buonarroti - El Juicio Final (1536 - 1541)

Miguel Ángel Buonarroti - El Juicio Final (1536 - 1541)

El único autorretrato que Miguel Ángel realizó en pintura está presente en la Capilla Sixtina según señala la tradición. El Juicio Final, que el artista realizó casi 25 años después de concluir las bóvedas de la capilla, tiene a Cristo como protagonista separando a los justos de los pecadores. Entre la multitud de personajes se esconde el pintor renacentista en el que es uno de los autorretratos más macabros de la historia del arte. Bajo la figura de Cristo aparece San Bartolomé, que fue desollado, sosteniendo una piel como símbolo de su martirio. El rostro de la piel que sostiene el santo sería precisamente el rostro de Miguel Ángel.

Capilla Sixtina - Museos Vaticanos (Ciudad del Vaticano)

El Greco - El entierro del conde de Orgaz (1586 - 1588)

El Greco - El entierro del conde de Orgaz (1586 - 1588)

En la obra maestra del cretense Doménikos Theotokópoulos, más conocido como el Greco, se representa el milagro por el cual el noble Gonzalo Ruiz de Toledo, el señor de Orgaz, recibió sepultura en 1323 por parte de los santos Agustín y Esteban como recompensa a su vida ejemplar. Aunque no está confirmado, se ha aceptado la teoría de que el hombre que aparece mirando al frente con la mano hacia arriba –a modo de gesto reivindicativo de su autoría– es el propio artista. Además, se cree que retrató a su propio hijo en la figura del niño que aparece en la esquina inferior con la mirada también hacia el frente.

Iglesia de Santo Tomé (Toledo)

Caravaggio - David con la cabeza de Goliat (c. 1610)

Caravaggio - David con la cabeza de Goliat (c. 1610)

Una de las últimas obras del maestro barroco Caravaggio, David con la cabeza de Goliat destaca por su profunda carga simbólica. El artista, que gozaba de una gran reputación, se vio obligado a huir de Roma tras el asesinato de Ranuccio Tomassoni en 1606. Su partida le llevó a Nápoles, Malta y Sicilia hasta que finalmente murió en 1610, envuelto en la desesperación y la melancolía, mientras regresaba a Roma en busca de redención. En línea con el carácter que marcó su última etapa, movido quizás por remordimiento, Caravaggio se autorretrató en la cabeza decapitada de Goliat. Dos años antes, en Malta, ya había firmado La decapitación de San Juan Bautista con la sangre que emanaba del cuello del santo.

Galería Borghese (Roma)

Clara Peeters - Bodegón con flores, copa de plata dorada, almendras, frutos secos, dulces, panecillos, vino y jarra de peltre (1611)

Clara Peeters - Bodegón con flores, copa de plata dorada, almendras, frutos secos, dulces, panecillos, vino y jarra de peltre (1611)

Este es quizás uno de los autorretratos más difíciles de detectar. Este óleo sobre tabla de la pintora flamenca Clara Peeters es uno de sus famosos y recurrentes bodegones. En el reflejo de la copa dorada y la jarra de peltre los ojos más atentos podrán observar el autorretrato de la artista. Aunque pueda resultar difícil de apreciar, este fue un recurso de Peeters en varias de sus obras como reflejo de su maestría y minuciosidad.

Museo Nacional del Prado (Madrid)

Artemisia Gentileschi - Judit decapitando a Holofernes (c. 1620)

Artemisia Gentileschi - Judit decapitando a Holofernes (c. 1620)

Artemisia Gentileschi fue una pintora barroca italiana de gran prestigio influenciada por Caravaggio, de quien se pudo inspirar para esta representación. No obstante, su vida quedó marcada por la violación que sufrió a manos de su maestro, Agostino Tassi. En su pintura más conocida, Judit decapitando a Holofernes, Artemisia se retrata como Judit alcanzando un grado de expresión y dramatismo que refleja el fuerte carácter de su autora en un gesto de empoderamiento y liberación

Galería Uffizi (Florencia)

Diego Velázquez - La rendición de Breda (1634 - 1635)

Diego Velázquez - La rendición de Breda (1634 - 1635)

Más allá de su célebre aparición en Las Meninas, Velázquez se autorretrató 20 años antes en otra de sus obras más célebres. La pintura muestra una victoria decisiva de los tercios durante la guerra de los Ochenta Años, también conocida como guerra de Flandes. Apartado del protagonismo de la escena, en el extremo derecho junto al caballo, el maestro del barroco español se representó a sí mismo.

Museo Nacional del Prado (Madrid)

Francisco de Goya - La familia de Carlos IV (1800)

Francisco de Goya - La familia de Carlos IV (1800)

Este retrato de familia del pintor de corte de Carlos IV nos muestra al monarca junto a su esposa (María Luisa de Parma), hermanos (María Josefa y Antonio Pascual), hijos (en primer plano vestido de azul el futuro Fernando VII) y nieto (Carlos Luis de Borbón-Parma). Casi 150 años después de Las Meninas, Goya emula a Velázquez al autorretratarse al fondo junto al lienzo, aunque lo hace de una forma más discreta en línea con su personalidad.

Museo Nacional del Prado (Madrid)

Gustave Courbet - El taller del pintor (1855)

Gustave Courbet - El taller del pintor (1855)

El pintor francés Gustave Courbet mantuvo la línea de reivindicar el valor del artista en esta obra en la que representa el taller de un pintor que no es otro, sino él. Su musa no está al frente posando, sino que contempla al artista trabajar al igual que todos los presentes, que se congregan para ver al genio trabajar. La obra fue rechazada por el jurado de la Exposición Universal de París de 1855, por lo que Courbet organizó su propia exposición, el Pabellón del Realismo.

Museo de Orsay (París)

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